Blog Aerredesign | aerrequerre espacio de pensamiento y emociones

Lo que no se comunica, no existe

26/04/2018

Diseño editorial

UAGA es una Organización Profesional Agraria con una larga trayectoria de más de 20 años trabajando por el mantenimiento y sostenibilidad del sector primario. Su objetivo es la defensa de los intereses de las personas agricultoras y ganaderas de Álava y hacia ello han encaminado todos sus esfuerzos.

Pero todo esto hay que contarlo, comunicarlo, y hacerlo bien para que los asociados, sociedad e instituciones conozcan y valoren la actividad que se realiza desde UAGA.

Ese era el objetivo de la presentación de la memoria de actividades de UAGA en la Asamblea general de este año. Contar de forma clara y sencilla lo que se ha conseguido y lo que se quiere conseguir en los próximos meses. Un hito para la Organización y un ejemplo del trabajo que estamos realizando con su equipo directivo. Un equipo que, desde su incoproración, vio claro que era necesario renovar la imagen de la organización y mejorar la comunicación con sus asociados.

Desde hace tres años estamos colaborando con UAGA en la mejora de su imagen y la optimización de sus elementos de comunicación. Con un estilo claro y directo, poco a poco se está consiguiendo que las personas asociadas se sientan mas conectadas con la organización y conozcan la labor que se hace por su sector.

Tan importante es hacer cosas valiosas como lograr que, quien nos interesa, tenga conocimiento de ellas. Porque lo que no se comunica, no existe.

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De la exposición al libro de artista / “Atmósfera_2″: making off

19/12/2016

El pasado mes de mayo acogimos en nuestro #espacioaerre la exposición “ATMÓSFERA_2″. Un proyecto colaborativo entre el escritor navarro Mikel Alvira y la fotógrafa noruega Ingunn Viste.

Nació con vocación de enredo, de simbiosis entre la palabra y la imagen, generando piezas autónomas que, en conjunto, crean un recorrido circular en el que el texto, manuscrito sobre cada fotografía, nunca empieza y nunca termina. No importa lo que se cuenta ni lo que se muestra, sino el ambiente que nace al unir imagen y palabra. No interesa la historia circular que acompaña las fotografías, sino la atmósfera imprecisa y sutil que se genera.

Queríamos aportar algo a este proyecto de colaboración creativa porque creíamos que las imágenes y las palabras de la expo debían reunirse en un relato único e indivisible. Y puesto que el nexo de unión de estos dos creadores ha sido el libro “La novela de Rebeca” de Mikel, en la que Ingunn pone imagen a su portada, parecía necesario volver al libro como elemento contenedor.

Por eso hemos diseñado y editado un pack especial compuesto por un libro de artista que reproduce las diez obras de la exposición, presentado en una caja-estuche con todas las referencias del proyecto. La edición está limitada a veinte ejemplares, firmados y numerados.

El proceso ha sido especialmente emocionante porque entendíamos que ese libro-objeto debía ser una prolongación del proyecto inicial, en el que la interacción del proceso manual con el material -papel- genera cada obra. Por eso teníamos claro que su construcción sería completamente manual.

Primero había que elegir un formato para el libro y decidimos que el de acordeón era el mas adecuado para permitir una lectura circular del relato con las diferentes piezas.

Después, los materiales: papel Hahnemühle 100% algodón blanco liso, para reproducir digitalmente el negro profundo y los matices de gris de las exquisitas fotografías de Ingunn y el trazo firme de los textos de Mikel, y un humilde pero expresivo cartón gris para las cubiertas. Una sencilla cinta de tul negro cerraría el libro con una lazada, pero permitiendo desplegarlo por completo.

En las cubiertas, únicamente el título, manuscrito por Mikel, y los nombres de los autores impresos en negro mediante la técnica de transfer.

Este vídeo recoge el proceso de confección de cada ejemplar y es una muestra del cariño con el que los hemos realizado.

También es un buen ejemplo de las posibilidades que ofrecen los talleres de encuadernación que programamos en nuestro espacio a la hora de trabajar el libro como pieza de arte.

Esperamos que disfrutéis del visionado tanto como nosotras durante el proceso. Creemos que va a sentar precedente y dará lugar a nuevas ediciones.

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Valorar el diseño

02/04/2016

Sabemos lo difíciles que están las cosas en muchos sectores, y mas aún en el caso de un sector como el primario, fundamental en otra época, pero que ha ido perdiendo su peso con graves problemas estructurales y en constante lucha por su derechos y por su supervivencia. Por eso es digno de resaltar que el sindicato agroganadero alavés UAGA -una organización sin ánimo de lucro- haya valorado la importancia del diseño para comunicar su actividad a los afiliados, y haya contado con un equipo de diseño para dar forma y coordinar la imagen de su 39 Asamblea General.

Asi, desde aerredesign hemos desarrollado la identidad visual y los distintos elementos de comunicación del evento, en estrecha colaboración con la dirección del sindicato. Teniendo en cuenta la impotancia de un acto como este, las catacterísticas del sector, y la idiosincrasia de sus miembros, hemos creado una imagen positiva, en la que todos se sientan reflejados, que trasmita crecimiento y el valor de la unión.

Esta apuesta por el diseño demuestra el interés de sus miembros por mejorar la comunicación interna y, a su vez, potenciar la imagen de UAGA hacia al exterior (público, consumidores e instituciones).

Esperemos que sigan así y que sirva de ejemplo.

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20 años…

26/01/2016

20 años no es nada…

El 2015 se ha ido y ya lo tenemos olvidado. Sin tiempo de pararnos un instante para valorar todo lo acontecido, analizar lo que hemos llevado a cabo y lo que ha quedado pendiente, estamos de lleno en el 2016. Pero queremos hacer una pequeña parada y recuperar por un instante el año que se ha ido porque para nosotras ha sido importante: hemos cumplido veinte años como estudio!!!.

Lo cierto es que, como nos ha pillado trabajando, no hemos podido celebrarlo como se merece; pero lo haremos, en cualquier momento, porque es algo digno de celebrar. No es fácil resumir veinte años en pocas palabras porque -por mucho que diga la canción “…veinte años no es nada…- son muchos, dedicadas de lleno al branding, ayudando a empresas, grandes o pequeñas, a dar forma a su identidad y conseguir que su marca transmita credibilidad y confianza. Cada empresa tiene una historia propia y única que hemos ayudado a contar y dar vida. Empresas con las que hemos creado lazos duraderos y que siguen confiando en nosotras. Han sido años llenos de experiencias y de aprendizaje, de gente fantástica con la que hemos colaborado. Clientes que vienen y van, y vuelven, con los que hemos aprendido y experimentado cosas nuevas y con quienes hemos madurado como profesionales.

Aunque da un poco de vértigo mirar atrás, estamos orgullosas de nuestra trayectoria, y lo mas importante es que continuamos hacia adelante. Seguimos siendo una empresa pequeña, lo que es una ventaja para nuestros clientes por nuestra accesibilidad, cercanía y disponibilidad; con una estructura flexible y una red de colaboradores que nos permite adaptarnos para dar la mejor solución a cada proyecto.

Y para empezar bien el año estrenamos nuevo espacio, un local mas grande donde desarrollar todas las actividades en las que estamos implicadas y de las que os hablaremos próximamente.

El 2015 ya es parte del pasado pero lo historia continua…

Seguimos aerrequeerre, ayudando a las empresas a visibilizar sus marcas.
¿Te podemos ayudar?

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Del producto a la marca

12/06/2015

Branding

Uno de los últimos proyectos que hemos llevado a cabo ha sido el rediseño de la identidad visual de la empresa Agme, del sector de la máquina herramienta, uno sobre los que se sustenta el tejido industrial del País Vasco y que conocemos muy bien, por nuestra experiencia. Un sector formado por empresas, en muchos casos de origen familiar, que a lo largo de los años, con esfuerzo y buen hacer, han ido ganando experiencia y prestigio, y han conseguido situarse en posiciones de liderazgo a nivel internacional.

Durante años la calidad del producto era su valor diferencial, su razón de ser y su argumento de venta. Pero a lo largo de los años, las diferentes crisis y el desarrollo de los mercados, han obligado a estas empresas a superar su resistencia al cambio y evolucionar. En los años noventa se empezó a ver la conveniencia de invertir en diseño de producto, lo cual implicaba, en muchos casos, la necesidad de mejorar la marca de la empresa y su comunicación. Actualmente esto ya no es suficiente, y mantenerse en el mercado supone un replanteamiento a nivel estratégico y una profunda reflexión sobre la empresa y su marca (branding). Se ha desplazado el foco desde los productos hacia las marcas.

Nosotras hemos sido testigo y parte activa de ello, y también hemos ido evolucionando. Sin embargo, aún hay empresas en este sector que, en su lucha por mantenerse, en el mercado se plantean un cambio de marca sin haber hecho esa reflexión y sin una idea clara de lo que esto supone. En estos casos nuestra intervención es como un revulsivo que provoca replanteamientos que van mas allá del rediseño de marca y que afectan a otros aspectos internos de la empresa. Nuestra labor es orientarles en estos procesos de cambio, a dar forma a su personalidad, definir su identidad visual y garantizar que se comunique adecuadamente, interna y externamente. Ayudarles a comprender que la marca es una combinación de atributos tangibles e intangibles que, bien gestionados, aportan diferenciación y valor a la empresa, y convierten sus productos y servicios en algo único. Nuestro objetivo es encontrar esa diferencia que hace única a cada empresa y desarrollar su mundo gráfico, lograr que sea asumida internamente y conseguir que conecte con su público. En ello estamos.

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Mujer y diseño

10/03/2015

8 de marzo. Domingo soleado, todo el país con ganas de salir y disfrutar, por fin, del buen tiempo. Es el día de la mujer trabajadora (?)… Ha pasado un año desde que, al hilo de este día, escribimos un pequeño artículo sobre la mujer y el diseño. No tenía intención de comentar nada de este tema pero he leído en la revista graffica un artículo que me ha gustado, ya que reflexiona sobre ello a partir de las entrevistas a tres diseñadoras de distintas disciplinas del diseño. Astrid Starvo, Laura Meseguer, Carla Cascales nos dan sus puntos de vista y su forma de sentir este tema desde su experiencia en la práctica profesional.

Lógicamente coincido con sus opiniones – “El talento no es una cuestión de género” (Laura Meseguer), “Curiosamente, las mujeres que sí son grandes referentes: Pati Núñez en España, Paula Scher en USA, Irma Boom en Holanda, etc. son mujeres con atributos que históricamente se han vinculado más a los hombres…”(Astrid Starvo)– porque en muchos casos son conclusiones obvias, a pesar de lo cual hay que seguir comentándolo mientras las cosas no se equilibren. Sin embargo parece que algo está cambiando, según se vislumbra de los comenatrios de la mas joven de las tres, Clara Cascales “…, no me he sentido discriminada en este aspecto”, que me llaman la atención positivamente y quizá indiquen un cambio real, y que la situación va mejorando, poco a poco, al ritmo que lo va haciendo la sociedad. Una sociedad con una historia que aun pesa y de cuya influencia cuesta alejarse pero que seguro que las nuevas generaciones van a lograr.

Aunque creo que seguiremos hablando de ello algún tiempo todavía…

Mientras tanto recomiendo su lectura.

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Brideshead revisited

21/01/2015

Hacer limpieza y ordenar trastos en casa puede ser muy entretenido. A veces es un gusto re-encontrarte con objetos y re-descubrir cosas que estaban olvidadas, agazapadas en segunda línea, esperando salir a la luz de nuevo.

Así, ordenando libros he encontrado ésta pequeña joya que, además de ser una novela preciosa, me encanta su portada, que pertenece a una época del diseño gráfico que siempre me ha gustado. Esa época a finales de los 60 y comienzo de los 70 en la que algunos jóvenes diseñadores, británicos y estadounidenses, empiezan liberarse de la disciplina suiza, olvidándose de retículas, espacios en blanco, tipografías san serif, etc. en favor del color, la fluidez, las tipografías manuales y mucha psicodélia.

A este grupo pertenece el creador de esta portada Peter Bentley. Diseñador inglés que en 1969 y durante unos pocos años formó parte de la agencia londinense Bentley / Farrell / Burnett, ahora quizá olvidada pero cuyos trabajos fueron reconocidos con varios premios de diseño en aquellos años. Realizaron portadas discos y libros de gran calidad trabajando, entre otros, para la editorial Penguin, para la que Peter Bentley siguió diseñando como freelance durante un tiempo. De esta época destacan las portadas de varias obras de Evelyn Waugh como la de esta edición en la que se aprecia cierta inspiración en las tipografías e ilustraciones de los años 30. Un trazo suelto, una reducida pero vibrante paleta de colores y la composición en escorzo la convierten en una portada maravillosa e innolvidable –ejemplo del valor de una buena portada.

Después unos años Peter Bentley desaparece y se pierde su pista, aunque hay quien dice que anda por Grecia.

Sirva este pequeño texto como homenaje a el y a otros diseñadores-as que sin ser conocidos también forman parte de la historia del diseño.

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Actualizar o no actualizar, esa es la cuestión

27/09/2014

Hoy en día, quien mas o quien menos, tiene un perfil en alguna de las redes sociales digitales –por distinguirlas de las físicas como padres, hermanos, primos, amigos de todos los universos– en las que lanzamos contenido al mundo.

Miles de personas subiendo todo tipo de información a las redes convierten lo que es una ventaja en un gran inconveniente. Un universo de imágenes y textos en el que es fácil perderse ya que cada minuto tenemos mas y mas contenido a nuestro alcance al que acabamos dedicando mucho tiempo y atención. Entre tanta documentación tenemos que hacer un esfuerzo para encontrar lo valioso y evitar lo que no nos aporta nada, como esas publicaciones con titulares que parecen manuales de autoayuda o supervivencia, y que en 5 pasos, 10 consejos o 50 tips, mediante unas bonitas infografías, van a facilitar al mundo las claves de los mas diversos temas, pero que realmente no añaden nada nuevo.

Publicar y actualizar para no desaparecer. Nos han creado esta necesidad para ganar visibilidad (?) –si no estás en las redes no existes– y así hemos caído en una verborrea, muchas veces vacía, que distrae de lo interesante o memorable. De esta forma nos hemos convertido en incansables generadores de contenido al servicio y en beneficio de quien los alberga y gestiona. Esta actividad añadida nos absorbe y nos roba tiempo para profundizar en proyectos personales o, lo que es peor, avanzar en los encargos de clientes que confían en nosotros y en el resultado de nuestra labor profesional. Actualizar nuestra información es una labor que conviene hacer pero con criterio y seleccionando bien lo que mostramos para aportar algo de valor y reforzar nuestra imagen.

Parémonos un poco y pensemos: ¿actualizar o no actualizar?, tal y como lo hacen en “NOTvember: huelga de actualización” o Ira Lombardina en quien se inspira. Todas ellas son opciones personales que nos hacen pensar y crean un interesante debate.

¡Uy!. Ahora que lo pienso, ¿será este texto parte de esa verborrea vacía?. Ejem. Espero que por lo menos os haya hecho pensar un segundo.

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Mis corbatas en Bilbao

18/06/2014

Han pasado dos años desde que conocimos a José Otero en Buenos Aires y nos entusiasmó su proyecto. Por fin llega a EspacioAerre, y se llena con sus objetos-fetiche.

El diseñador en comunicación visual argentino José Otero, presenta su producción de arte y diseño llamada “Mis Corbatas”, aventura creativa que inició hace casi 20 años. La corbata como fetiche, y por medio de ella un juego infinito de fantasía y singularidad, transformando este símbolo de la elegancia en un nuevo lenguaje objetual, un estandarte, y hasta una instalación en el espacio.

Espíritu innato de reuso y upcycling de materiales. El mundo del reciclaje de Otero va del descarte al refinamiento. Como un arqueólogo urbano, rescata de la ciudad los elementos por su riqueza de origen, sus rastros de identidad, y los transforma en nuevos objetos y obras que sorprenden doblemente por este juego de selección y diseño. Tanto de forma elaborada como también muy directa casi ready-made.

El pasado 7 de junio celebramos la inauguración de la exposición. Amistades, seguidor@s y transeúntes fueron llegando, en una tarde de verano increíble, y pudieron apreciar, entre la curiosidad y la sonrisa, la obra original de Jose Ignacio Otero.

En conexión abierta, via SKYPE, con Buenos Aires, el artista, emocionadísimo, presentó su proyecto y nos contó los orígenes y perspectivas de esta aventura tan personal. Fue muy divertido poder compartir la fiesta simultánea en las dos ciudades (con cinco horas de diferencia) y hacer fotos a través de la pantalla. Hubo momentos de conversación muy interesantes sobre arte, diseño y las cities…

Pasaos por aquí y sorprendeos …

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De la encuadernación de arte, al libro de artista

18/03/2014

Nuestros talleres de encuadernación han despertado el interés de artistas y creador@s como herramienta de presentación de su obra gráfica, o como vía para la experimentación con el libro como objeto para la expresión artística.

Por ello, y de la mano de La Taller, un espacio de creación y de investigación plástica dirigido por Maite Martínez de Arenaza, hemos diseñado un curso que pretende dotar de recursos a profesionales del diseño, la fotografía, artistas gráfic@s, y aquellas personas interesadas en conocer formas diferentes de presentar su obra.

Creemos que será una experiencia muy rica de intercambio de conocimiento, creatividad y comunicación.

Dentro de su contenido se realizará un recorrido por las técnicas, los materiales, como el papel, su fibra, telas y otros materiales del mercado. Se complementará con ejemplos visuales de obras de artistas reconocid@s, así como diferentes ejemplos físicos, tanto de obras como de técnicas.

El curso está estructurado en tres talleres que abarcan el conocimiento de técnicas concretas, el planteamiento de un ejercicio personal, su desarrollo y acabado:

• El primero se centra en conocer la técnica de cosido tradicional japonés, realizando dos tipos diferentes de cosido. Uno, de cuatro agujeros (yotsume toji) y el segundo, de siete agujeros (asa-no-ha toji). En las cubiertas se tratarán, además, aspectos relacionados con la composición tipográfica mediante un ejercicio de estampación o estarcido.

Con este taller cada participante obtendrá las bases para poder plantearse un proyecto propio de encuadernación, que se desarrollará en los siguientes talleres.

• En el segundo taller se trabajarán las propuestas de cada participante, orientándole sobre su arquitectura, materiales, cosido y medios expresivos, según sus objetivos.

• El tercero estará destinado a la materialización final y acabado del libro, completando el diseño de la cubierta.

El primer taller se desarrollará el próximo viernes 21 de marzo y es independiente del resto. Los restantes, previstos para mayo, están pendientes de concretar en función de un calendario que permita a cada participante diseñar su proyecto y completar la creación de obra para su libro de arte.

Estos son los detalles, horarios y precios:

• Duración: 4 horas
• Viernes por la tarde de 17 a 21h.
• Precio: El primer taller, 40€ con materiales incluidos. El segundo más el tercero 80€. Descuento del 10% para estudiantes.
• Lugar: La Taller, C/ Zumárraga 7, esquina con Maestro Icíar, 48006 Bilbao.
• Profesores: J. Carlos del Barrio, maestro en técnicas de encuadernación creativa, y Pilar Andrés (Aerredesign) en grafismo y dirección de arte.
• Se realiza una pequeña pausa para el té/café hacia la mitad de la clase.
• Información e inscripciones: pilar@aerredesign.com, y en el tel. 944422735. También en info@lataller.com en el 94 679 22 92.

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